Essay über Sylvia Plath Poesie

Posted on by Swartz

Essay Über Sylvia Plath Poesie




----

Plaths Gedichte haben ein zweistufiges Publikum - einige Leser sind von ihrer Arbeit wegen ihrer Sensationslust angezogen, ihrer Bereitschaft, Details über Nervenzusammenbrüche, sexuelle Peinlichkeiten und Selbstmordversuche zu teilen. Dieser Aspekt ihrer Arbeit hat zu vielen Nachahmern geführt.

Auf einer anderen Ebene liefern ihre Gedichte und Geschichten, indem sie die Reaktionen eines rohen, nervigen Individuums auf ein indifferentes, wenn nicht gar feindliches Umfeld zeigen, eine sensible Interpretation universeller Schwachstellen. Plaths stärkste Gedichte beschwören archetypische Figuren und Geschichten auf eine Weise herauf, die frühe Kindheitbilder des bösen Elternteils, des Menschenopfers und aller Formen von Todesbringer wiedererregt.

Das Thema von Plaths Poesie ist Plath. Ihre Gefühle für ihren geliebten und verhassten Vater, ihre Selbstmordversuche, ihre Wut auf die Welt und ihre existenzielle Einsamkeit werden detailliert beschrieben. Die Gedichte wüten oder sprechen schwach aus einem Brunnen der Verzweiflung. Gelegentlich schreien sie einen wütenden Triumph über die Kräfte, die sie unterdrücken.

Diese Ausrufe sind direkt und unmittelbar von der Kunst, wie die letzten Zeilen des verheerenden Gedichtes "Daddy" zeigen:

Es gibt einen Anteil an deinem fetten schwarzen Herzen. Und die Dorfbewohner haben dich nie gemocht. Sie tanzen und stampfen auf dich. Sie immer wusste Du warst es. Papa, Daddy, du Bastard, ich bin fertig.

Viele der Gedichte drücken das Bedürfnis nach Reinigung aus - für einen Tod, gefolgt von einer Wiedergeburt.

"Lady Lazarus" berührt mit zwanzig ihren Selbstmordversuch und blickt auf ihren dritten, erfolgreichen Versuch mit dreißig; das Gedicht schließt das fast Ertrinken um zehn ein und ritualisiert den Selbstmord als einen Akt der Reinigung. Die Arbeit wird von denen zitiert, die argumentieren, dass Plath nicht ihren dritten Versuch, erfolgreich zu sein, beabsichtigte, sondern gerade rechtzeitig gefunden und wiederbelebt werden wollte, wie sie es zuvor gewesen war.

"Sterben", sagt sie, "ist eine Kunst, wie alles andere. Ich mache es außergewöhnlich gut." Man könnte sagen, dass Plaths grundlegendes Thema die Kunst des Sterbens ist.

Stilistisch veränderten sich die Gedichte mit zunehmender emotionaler Intensität. Ihre ersten Gedichte waren sorgfältig strukturierte, zart gereimte Stücke, aber sie lernte bald Gewalt zu formen, um harte, kraftvolle Gedichte zu produzieren, die sparsam und schneidend waren.

Ihre frühen Gedichte waren durch scharf detaillierte Naturbilder gekennzeichnet, wobei die Verben einen großen Teil der Beschreibung trugen.

"Point Shirley", im Grunde eine Elegie für ihre Großmutter, beginnt

Vom Water-Tower Hill bis zum BacksteingefängnisDie Schindel boomt und streitet unter dem Zusammenbruch des Meeres.Schneenkuchen brechen und welter.

Später, nach der Abwesenheit der Großmutter, kehrt der Dichter mit mehr verb-dominierten Details in die Naturszene zurück:

Die geschwollenen Reliquien der Clickermassen im Wind, Grey winkt den stubenreinen Eiderenten.

Die Reime sind Fast-Reime (Kollaps / Sprünge / Chips; gegen / getanzt / gestanzt).

Die Off-Reime und die abwechselnden langen und kurzen Linien suggerieren den Rhythmus des Meeres, eine Bewegung, die einen subtilen Kontrapunkt zum Argument des Gedichts darstellt.

Die späteren Gedichte sind direkter, persönlicher und weit weniger bildhaft.

Naturbilder werden beiläufig in den Dienst einer emotionalen Unmittelbarkeit gepresst:

Ich bin zu mehr Wissen nicht fähig. Was ist das, dieses GesichtSo mörderisch in seinem Würgezweig?

Die letzten Gedichte werden von Bildern von Wunden und Verstümmelungen, chirurgischen Operationen, Holocaust-Opfern und Krankheit dominiert.

Die letzten Gedichte werden in ihrem Leiden glühend; Jude und Nazi werden zur Metapher für die Beziehung zwischen Plath und ihrem toten Vater und in der Tat die ganze männliche, unterdrückende Gesellschaft. Die natürliche Welt, die zuerst Plaths Entzücken und Absorption war, wird jetzt von menschlichem Schmerz durchdrungen, wie in "Poppies im Oktober":

Selbst die Sonnenwolken können heute Morgen solche Röcke nicht bewältigen, noch die Frau im Krankenwagen.

Das rote Herz bläht so erstaunlich durch ihren Mantel.

Alle Barrieren zwischen der Metaphorischen und der Realen, der Innen- und Außenwelt, verschwimmen, als Plath sich ihrem letzten Akt der Selbstbefreiung nähert.

Ihr autobiographischer Roman, Die Glasglocke, zeigt die gleiche Konfrontation zwischen seiner hypersensiblen Frau Persona, Esther Greenwood, und einer feindlichen Welt.

Der Roman wurde in England in der Zeit nach der Geburt von Plaths Kindern geschrieben und beschreibt die Ereignisse, die zu ihrem Zusammenbruch im Jahr 1953 geführt haben. Besonders lebendig in ihrem Roman ist das wachsende Gefühl der Loslösung von sich selbst, das sie mit ihrer Protagonistin Esther geteilt haben muss sich selbst als "ein Loch im Boden", "ein kleiner schwarzer Punkt", eine Leerstelle.

Wenn sie sich selbst in Spiegeln betrachtet, erkennt sie sich selbst nicht, sondern sieht das Bild als jemand anders.

Wie die Poesie, Die Glasglocke wird vom Tod und der bedrückenden männlichen Welt beherrscht, die Esther zum Tod bringt.

Esthers Verfall wird durch ihre New Yorker Erfahrung dokumentiert, die Plath erlebte, als sie die Mademoiselle Wettstreit, zurück nach Boston, wo sie immer tiefer in Depressionen versank, durch ihre Institutionalisierung und Behandlung, bis zu ihrer Entlassung aus der Anstalt.

Der Stil spiegelt den Inhalt wider, da die Szenen kürzer und unzusammenhängender werden, um Esthers fortschreitenden Verlust des Kontakts mit der Realität widerzuspiegeln.

Die Beschäftigung der Gedichte mit der Reinigung und die Verwechslung des Lebens mit dem Tod finden sich auch im Roman.Diese wiederkehrenden, sogar obsessiven Themen werden vielleicht am unmittelbarsten beschrieben, wenn Esther erzählt, was passiert ist, als sie Selbstmord beging, wie Plath selbst mit zwanzig getan hatte, indem sie in ein Kellerloch geklettert war: Spinnweben berührten mein Gesicht mit der Weichheit der Motten.

Ich wickelte meinen schwarzen Mantel um mich wie meinen eigenen süßen Schatten, schraubte die Flasche mit den Pillen ab und begann, sie zu nehmen. . Die Stille breitete sich aus, entblößte die Kieselsteine ​​und Muscheln und all die schäbigen Trümmer meines Lebens. Dann, am Rand der Vision, sammelte es sich und in einer flutenden Flut, stürzte mich in den Schlaf.

Die Glasglocke

Erstveröffentlichung: 1963

Art der Arbeit: Roman

Eine individualistische und egalitäre junge Frau kämpft mit dem erstickenden Konformismus der 1950er Jahre.

Im Die GlasglockeDer Schleier der Fiktion über die Geschichte von Plaths eigenem Leben ist so dünn, dass ihre Mutter in den Vereinigten Staaten gegen Harper & Row ankämpfte, dass "praktisch jeder Charakter jemanden darstellt - oft in Karikatur - den Sylvia liebte; jede Person hatte Zeit, Gedanken, Zuneigung und, in einem Fall, finanzielle Hilfe während dieser qualvollen sechs Monate des Zusammenbruchs 1953 gegeben.

"Dennoch hat die Geschichte den Reiz des Romans, und sie verwendet die Konventionen der Fiktion in die Strukturierung der Erfahrung, die es erzählt.

Die Heldin, Esther Greenwood, schaut zurück (wie Holden Caulfield, J.

D. Salingers berühmterer Außenseiter) auf die Ereignisse, die zu ihrem Nervenzusammenbruch geführt haben. Wie in Salingers Der Fänger im Roggen (1951) werden die Leser darüber gespalten, was für den Zusammenbruch verantwortlich ist - das Selbst oder die Welt. Durch Esthers Augen werden die Ereignisse der frühen fünfziger Jahre aufgezeichnet: McCarthyism, "I Like Ike", der Stromschlag der Rosenbergs, die relative Zahmheit der 50er Jahre New York City.

In den Augen von Esther, kommen Sie nach New York als Gewinner eines Magazins Wettbewerb zu Gast Redakteur von Ladies 'DayDie reale Welt ist ausschließlich männlich und hat keinen Platz für sie.

Frauen Schriftsteller erstellen flauschige Modeartikel. Women English Majors sollten Kurzschrift lernen. Die einzige andere verfügbare Option, die Frau, ist kaum mehr als der Tod im Leben, eine Selbstauslöschung, so sicher wie das Schicksal des Teppichs, den die Mutter ihres Freundes aus hübschen Fetzen gemacht hat, dann auf den Boden gelegt, um "beschmutzt" zu werden langweilig und ununterscheidbar von jeder Matte, die Sie für einen Dollar in den fünf und zehn kaufen würden.

"

Der Detailreichtum lässt die 1950er Jahre in ihrem Patriotismus und ihrer Naivität wieder auferstehen. Die Standardreaktionen der Frauen auf die Zeitperiode sind in Esthers Gewinnerkollegen vertreten, wie der unschuldige Optimist Betsey und Hilda, der rechte Eiferer mit einem Gespür für Hausfrauenwirtschaften.

Zumindest teilweise, weil Esther glaubt, dass ihre Talente, die nicht in einer der weiblichen Standardlinien liegen, keinen Nutzen bringen, geht sie in einen Niedergang. Ihre Unfähigkeit, die Rolle einer akzeptierten Frau anzunehmen, zeigt sich in einer symbolischen Szene, in der sie ihre neuen Kleidungsstücke einzeln aus dem Fenster des Hotels wirft, so dass "wie die Asche eines geliebten Menschen flatternd die grauen Brocken weggezerrt werden" siedeln sich hier, genau dort, wo ich es nie erfahren würde, im dunklen Herzen von New York.

"

Zurück in ihrem Zuhause in Boston vertieft sich die Depression und Rückblenden zu ihren Erfahrungen mit ihrem Freund und ihren College-Jahren geben mehr Einblick in die Natur ihrer Entfremdung.

Sie kann nicht akzeptieren, dass es einen doppelten Standard für sexuelles Verhalten gibt - dass von ihrem Freund Buddy erwartet wird, sexuell erfahren zu werden, und sie ist es nicht. In allen Beziehungen, die sie sieht oder an denen sie teilnimmt, scheint die Frau eine Marionette oder ein Spielzeug für den Mann zu sein. Doch auch für ihre Kunst will Esther ihre Sexualität nicht aufgeben.

Da sie nicht zwischen sich gegenseitig ausschließenden Optionen wählen kann, ist sie gelähmt. Wenn sie versucht, einen Roman über jemanden zu schreiben, der versucht, einen Roman zu schreiben, schafft sie einen Absatz. Sie untersucht weit hergeholte Karriere- und Bildungsmöglichkeiten und gibt auf.

Sie wechselt nie ihre Kleidung. Sie ist in einem Zustand der klinischen Depression, so wie Plath nach ihrer Reise nach New York war Mademoiselle.

Ihre Gedanken werden zu Selbstmord.

Während die Protagonistin immer fragmentierter wird, fängt der Roman an, ihre innere Welt zu spiegeln, ihre Szenen werden kürzer und Übergänge werden unterdrückt, so dass Szenen einander gegenüberstehen, wie sie in Esthers Kopf sind. Die Sprünge in Zeit und Raum sind ein Schlüssel zu Esthers innerer Welt, in der Geburt der Tod ist, Tod die Geburt, und der ultimative Verlust des Selbst ist sowohl die größte Angst als auch das größte Verlangen.

Die Verbindung von Tod und Freiheit findet immer wieder statt. Kopfhohe Geschwindigkeit, die mit Skiern einen Hügel hinunterrast, ist das Einzige, was Esther glücklich macht. Die Chance, aus sich selbst herauszukommen, weg von dem Gefängnis des Selbst, das durch die Glocke des Titels repräsentiert wird, kommt mit dieser Geschwindigkeit; Dem verrückten Flug folgt ein Absturz und Schmerz - ein kleiner Tod.

Immer mehr vom Tod besessen sammelt Esther Nachrichten über Selbstmorde und reagiert nur auf den Teil der Unterhaltung, der möglicherweise mit Selbstmord in Verbindung gebracht werden könnte.

Ein wichtiges Element des ganzen Romans, der Humor des selbstironischen Erzählers, ist immer präsent in den Beschreibungen der Ereignisse, die zu dem großen Selbstmordversuch führten, wie eine Diskussion bei einem Strandpicknick, in dem Esther versucht, sie zu bekommen Blind Date, um ihr zu sagen, wie man an eine Waffe kommt: Ich rollte mich wieder auf den Rücken und machte meine Stimme lässig.

"Wenn du dich umbringen würdest, wie würdest du es tun?" Cal schien zufrieden zu sein. "Ich habe oft darüber nachgedacht. Ich hätte mir mit einer Pistole das Hirn rausgeblasen. "Ich war enttäuscht. Es war wie ein Mann, es mit einer Waffe zu tun. . »Was für eine Waffe?« »Die Schrotflinte meines Vaters.

Er hält es geladen. «» Wohnt Ihr Vater zufällig in der Nähe von Boston? «, Fragte ich beiläufig.

Nach der Unterhaltung schwimmt Esther aus und versucht (höchst ineffektiv) sich zu ertränken. Auf die Szene folgt der Rückblick auf den Versuch, sich an diesem Morgen aufzuhängen - ein Versuch, der sie "mit der Seidenschnur, die wie ein gelber Katzenschwanz an meinem Hals hängt, herumläuft und keinen Platz findet, um ihn zu befestigen."

Der wahre Versuch wird jedoch als ein ernstes, fast mystisches Ereignis beschrieben: Dieser Tod ist eine Rückkehr zu dem mutterähnlichen Loch im Keller, wo sie, nachdem sie die Pillen genommen hat, in die Dunkelheit davongefressen wird.

Sie ist dann wiedergeboren: "Der Meißel schlug wieder, und das Licht sprang in meinen Kopf, und durch die dicke, warme, pelzige Dunkelheit schrie eine Stimme, 'Mutter!'"

Der Rest des Romans erkundet ihre Behandlung im staatlichen Krankenhaus und dann in dem Privatkrankenhaus, zu dem ihre Schriftstellerin sie schickt, und es ist vielleicht weniger glaubwürdig, dass Esther sich von der Krankheit erholt.

Ihre Genesung wird durch verschiedene Ereignisse signalisiert: Sie lernt, ihre Abneigung gegenüber ihrer Mutter und der Rolle ihrer Mutter zuzugeben, und sie verliert ihre Jungfräulichkeit und macht sie damit Buddy gleich. Sie fühlt, dass die Glocke, die sie erstickt hat, zumindest für eine Weile gehoben wurde. Die letzte Szene ist das Versöhnungsritual mit der Welt. Sie wird von den Ärzten interviewt und als geheilt aus dem Krankenhaus entlassen.

Viele Leser finden sie jedoch so verloren und entfremdet wie am Anfang.

Die Glasglocke fällt in seiner Attraktivität auf. Es ist eine Salingeresque Geschichte von einer jungen Frau, die die Dinge nicht akzeptiert, wie sie sind und keine Kompromisse eingehen wird.

Die Ereignisse und Realitäten der 1950er Jahre werden in scharfen, grotesken Details durch das gewölbte Glas von Esthers Glasglocke sichtbar.

"Schwarzer Turm bei regnerischem Wetter"

Erstveröffentlichung: 1960 (gesammelt in Die gesammelten Gedichte, 1981)

Art der Arbeit: Gedicht

Unerwartete, überraschende Schönheit ist das Geschenk der Selbsterneuerung, die man als Wunder bezeichnen kann.

Ein frühes Werk, das eines der wenigen lebensbejahenden Plath-Gedichte ist, ist "Black Rook in Rainy Weather", eine Beschreibung eines Vogels in einem Baum, der Begriffe des Himmlischen verwendet ("Engel", "Strahlen" und "Wunder").

) um Dinge dieser Erde zu beschreiben. Eines der am häufigsten in Anthologien verfassten frühen Gedichte, es zeigt das Geschenk des Visuellen. Wie viele der Gedichte in Der KolossEs wird formal kontrolliert. Es verwendet eine einzigartige Strophe Form von fünfzeiligen Strophen mit wiederholenden Reimen von Abcde im ganzen Gedicht; Off-Rhymes sind üblich.

(Zum Beispiel, die ein-Rhymnen sind "da", "Feuer", "Verlangen", "Stuhl", "Ehre", "Aufflackern", "Angst" und "treten" vom Anfang bis zum Ende des Gedichts auf.) Dieses Muster hilft dabei vermitteln den Eindruck, dass dies eine abgeschwächte Welt mit zufälligen Arrangements ist.

Als sie einen "nassen schwarzen Turm" sieht und ihre Federn im Regen arrangiert und neu arrangiert, reflektiert der Beobachter, dass sie in der Natur nicht länger nach Absichten sucht. Sie glaubt nicht mehr, dass es irgendeine Art von "Design" in der Welt gibt, dass Naturphänomene Gottes Unterschrift tragen.





Sie gibt zu, eine Art von Kommunikation mit dem Anderen zu wollen: "Ich wünsche, / Gelegentlich, ein paar Gespräche / Aus dem stummen Himmel." Doch sie ist bereit, die körperliche Freude der gelegentlichen natürlichen Offenbarung an ihrer Stelle zu akzeptieren, das "kleine Licht "Das kann ein gewöhnliches Objekt in eine Vision verwandeln:" Als ob eine himmlische Verbrennung von Zeit zu Zeit die stumpfsinnigsten Objekte in Besitz genommen hätte.

"

Es sind diese unerwarteten Transformationen, diese "Heiligen" der täglichen, die die Zeit erlösen, indem sie Großzügigkeit, Ehre, / Man könnte Liebe sagen.

"Der Turm mit seinen glänzenden Federn erinnert vielleicht an Gerard Manley Hopkins 'Windhosedessen Schönheit die Größe Gottes ausdrückt, aber die Transzendenz des Turms wird weniger deutlich zugeschrieben. Dennoch ist es eine Erlösung für den Beobachter, der von der Langeweile und der Verzweiflung durch Schönheit befreit werden möchte.

Das Gedicht kommt zu dem Schluss, dass trotz der Dumpfheit des Gewöhnlichen Wunder geschehen, "Wenn Sie diese spastischen / Tricks von Strahlenwundern nennen." Der Beobachter erkennt, dass es ihr Teil ist, aufmerksam zu sein, "das lange Warten auf die Engel, / Für diesen seltenen, zufälligen Abstieg.

"Selbst dieses Gedicht ist nicht übermäßig optimistisch: Die Szene ist regnerisch, das Wetter" unregelmäßig "und die erste Staffel" der Müdigkeit ". Die Wunder der Transformation können weder vorhergesagt noch kontrolliert werden. Dennoch kommen sie vor und sie erlösen die Zeit aus der Leere und füllen sie mit Absicht, sogar mit Liebe. Innerhalb dieser begrenzten Aussage wird das Gedicht zu einer der positiven Aussagen von Plath.

"Die beunruhigenden Musen"

Erstveröffentlichung: 1960 (gesammelt in Die gesammelten Gedichte, 1981)

Art der Arbeit: Gedicht

Der Dichter wird nicht von den traditionellen Figuren der Inspiration, sondern von den bizarren, verzerrten Besuchern eines surrealistischen Malers geziert.

1957 geschrieben, als die meisten von Plaths Werk noch in formalen Versen waren, ist "The Disquieting Muses" eine beunruhigende Erklärung für Entfremdung und Andersartigkeit.

Der Titel bezieht sich, wie Plath erklärte, auf ein Gemälde des Künstlers Georgio de Chirico - ein Gemälde von drei gesichtslosen Schneiderpuppen mit länglichen Köpfen, die in einem seltsamen Halbdunkel unheimliche Schatten werfen. "Die Dummies suggerieren eine Version des 20.





Jahrhunderts anderer finsterer Trios von Frauen - die Drei Schicksale, die Hexen in Macbeth, [Thomas] De Quinceys Schwestern des Wahnsinns ", kommentierte sie. Die Gleichung legt nahe, dass der Dichter Frauen, Verzerrungen, Inspiration, Magie und Poesie assoziiert.

Das Gedicht ist in achtzeiligen Strophen geschrieben, die ungefähr vier Striche pro Zeile und einen Reim enthalten, insbesondere einen Reim der fünften und siebten Zeile in jeder Strophe.

Das Gedicht ist an "Mutter" gerichtet, die versucht hat, ihrer Tochter eine begrenzte und akzeptierte Kunst beizubringen, erzählt ihr Geschichten von Hexen, die "immer in Lebkuchen gebacken" und ihre Klavier- und Ballettübungen loben. Auch die Mutter versuchte ihren Kindern beizubringen, irrationale Kräfte in Schach zu halten, und sang bei den Orkanwinden, die drohten, in den Fenstern zu wehen.

Die Macht der Unvernunft ist jedoch zu stark; die Kunst, die sie hervorbringt, ist zu überzeugend.

Wie Plaths andere Elterngedichte beschuldigt dieser den Elternteil zumindest teilweise für die Situation des Dichters.

Mutter konnte keine "uneheliche Tante" oder "unschöne Cousine" zu ihrer Taufe einladen und provozierte so die Wut der Ungeladenen. Die Tochter wird so getrennt, unfähig, die Mutter-Tochter-Tradition der gutartigen, trivialen Kunst fortzusetzen.

Sie konnte nicht mit den anderen Schulmädchen im "Funkeln-Kleid" tanzen, sondern "schwerfüßig, stand abseits / Im Schatten meiner trostlos köpfigen / Patinnen, und du hast geweint und geweint."

Der Schluss des Gedichts zeigt, dass das Mädchen immer noch von ihrer jenseitigen Gesellschaft umgeben ist, den verzerrten Musen, die Hexen, Schicksale, Besucher aus der Welt des Wahnsinns sind.

Sie weist darauf hin, dass sie gelernt hat, ihren Unterschied nicht zu verraten:

"Kein Stirnrunzeln von mir / Werde die Gesellschaft, die ich behalte, verraten." Die surrealistische Malerei erinnert an Salvador Dalis Todesszenen, wenn auch nicht so explizit wie in ihrer Botschaft. Das Gedicht legt nahe, dass Künstler zu sein bedeutet, Ewigkeiten und Unendlichkeiten zu betrachten, und dass diese Gabe - im Fall des Sprechers, die zum Teil durch die Aufsicht ihrer Mutter verursacht wird - eher ein Fluch als ein Segen ist.

"Sticht"

Erstveröffentlichung: 1965 (gesammelt in Die gesammelten Gedichte, 1981)

Art der Arbeit: Gedicht

Die Bienen stechen einem Zuschauer bei der Übertragung eines Bienenstocks; Dieses Umdenken in der Bienenwelt erleichtert die Erneuerung der Königin, eine Erneuerung, an der der Sprecher teilnimmt.

Sie gehört zu einer Reihe von Gedichten, die auf dem Wissen ihres Vaters (und später ihres eigenen Wissens) über die Imkerei basieren.

"Stings" benutzt das Verhalten der Bienen in ihrem Bienenstock als eine Allegorie für ihre eigene Obsession mit Tod und Erneuerung. Ein kostenloses Gedicht, "Stings" beschreibt die Übertragung der Bienen auf die Frau, die ihr neuer Besitzer ist. Während dieser Übertragung stechen die Bienen eine dritte Person, eine Sündenbockfigur; das Stechen des Sündenbocks ermöglicht es dem Bienenstock, sich zu erneuern und seine schlafende Königin zu ersetzen oder zu erwecken.

In diesem Bienenstock gibt es Schufte, "unmenschliche Frauen", die sich nur für Dinge des Haushalts / Bienenstocks interessieren, und es gibt eine schlafende Königin. Der Sprecher weigert sich, sich mit den Dienern zu identifizieren: "Ich bin kein Knecht / Obwohl ich seit Jahren Staub / Und getrocknete Teller mit meinem dichten Haar gegessen habe." Sie identifiziert sich mit der Königin, alt und erschöpft oder genauer mit der Königin: Die Königin stirbt und wird durch eine andere Königin ersetzt, aber die Königin ist unsterblich, Generation für Generation.

Wenn der Zuschauer gestochen wird, nimmt er den Schmerz weg und exorziert das Männchen auf einmal. Die Bienen, die ihn gestochen haben - sie sind vermutlich auch ein Teil von ihr - "dachte, der Tod sei es wert"; ihr Opfer wurde benötigt, um das Männchen zu exorzieren. Die Wiedergeburt oder Genesung folgt: "Ich / Ich habe ein Selbst, um mich zu erholen, eine Königin." Nun, da der Sündenbock verschwunden ist, kann die glorreiche Königin wiederbeleben, mit Macht und Dominanz und nichts von den Trieben:

Schrecklicher als je zuvor, roter Wagen am Himmel, roter Komet über den Motor, der sie tötete - das Mausoleum, das Wachshaus.

Dieses Gedicht, das ein Jahr vor "Daddy" geschrieben wurde, drückt vieles des gleichen Themas aus, aber hier wird das Thema durch die Metapher des Bienenstocks dargestellt.

Der Bienenstock verbraucht einen Teil von sich, um das Männchen zu vertreiben und die Königin zu befreien. Die durch die Entfernung des Männchens befreite Königin ist triumphierend ermächtigt.

"Vati"

Erstveröffentlichung: 1965 (gesammelt in Die gesammelten Gedichte, 1981)

Art der Arbeit: Gedicht

Der tote Vater, der seine Tochter dreißig Jahre lang erstickt hat, wird exorziert.

"Daddy" hat einen ironisch zärtlichen Titel, denn dieses Gedicht ist ein gewalttätiger, disharmonischer Angriff auf den toten Elternteil.

Eines der Gedichte, die Plath in den fieberhaft aktiven letzten sechs Monaten ihres Lebens schrieb, ist "Daddy", eine Überarbeitung des Themas des bösen Vaters, das in ihren Gedichten so prominent ist. Weil ihr Vater starb, als er dem Kind noch mythische Macht hatte, musste die Frau irgendwie die Vaterfigur entleeren und exorzieren.

Sie muss eine symbolische Tötung des mächtigen Geistes durchmachen, um frei zu sein.

Im Gegensatz zu den subtilen Rhythmen ihrer früheren Arbeit ist die Bewegung dieses Gedichtes direkt und offensichtlich. Es verwendet harten, eindringlichen Reim, um seine Botschaft nach Hause zu hämmern.

Seine hämmernden, klirrenden Rhythmen entfremden den Leser und bleiben im Kopf. Es beruht auf einem wiederholten Reim, einem "oo" -Sound, der zu einem Schmerzensschrei wird. Laut vorgelesen klingt das Gedicht wie ein Gesang, ein Ritual des Exorzismus und der Reinigung. In diesem Gedicht und einigen anderen scheint Plath Wörter für ihren apotropäischen Wert zu verwenden - als Zauber, um das Böse abzuwehren.

Eine Reihe von Metaphern stellt die Beziehung zwischen Vater und Tochter grafisch negativ dar.

Im Verlauf des Gedichts ist er ein "schwarzer Schuh", in dem sie seit dreißig Jahren "wie ein Fuß gelebt" hat; er ist ein Nazi und sie eine Jüdin; er ist ein Teufel und sie sein Opfer; Er ist ein Vampir, der ihr Blut trinkt. Der Vampir und das Opfer sind vielleicht die aussagekräftigsten Bilder, denn sie sieht ihn als einen toten Mann, der ihr lebendes Blut ablässt und aus dem Grab ruft, dass sie sich ihm anschließt.

Als sie glaubt, dass sie seinen Arm gebrochen hat, kündigt sie siegreich an: "Das schwarze Telefon ist an der Wurzel, / die Stimmen können nicht durchkommen", vermischen sich Bilder von Telefon und Grab.

Das Gedicht teleskopiert die Ereignisse von Plaths Leben in ihrem wiederkehrenden Muster von Kontamination und Reinigung. Der Vater war zu Lebzeiten unerreichbar; Sie konnte nicht mit ihm sprechen: "Die Zunge steckte in meinem Kiefer", sagt der Sprecher.

"Es steckt in einer Stacheldraht-Schlinge. Ich, ich, ich, ich." Die Wiederholung des deutschen Wortes für "Ich" bringt zum Ausdruck, dass sie sich nicht artikulieren und ihre Individualität etablieren konnte, und sie verstärkt das deutsch-jüdische Bild währenddessen es klang wie etwas, das flattert, schmerzhaft verstrickt ist.

"Ich war zehn, als sie dich begruben", sagt sie. (Plath war acht, als ihr Vater starb.) »Mit zwanzig habe ich versucht zu sterben / Und zurück, zurück, zurück zu dir«, fährt sie fort.

Unfähig, ihn auf diese Weise gleichzeitig zu finden und zu entkommen, versuchte sie eine Art Voodoo: Sie heiratete einen Mann wie ihren Vater und trennte sich von ihm, so "tötete" sie sowohl den Ehemann als auch den Vater.

Das Ende des Gedichtes ist eine triumphierende Behauptung von Ablehnung und Freiheit: "Papa, Papa, du Bastard, ich bin fertig."

Wie das Ende von Die GlasglockeDieser Triumph scheint Plaths Selbstmord vier Monate später widerlegt zu haben. Vielleicht ist die Ambivalenz in einer früheren Strophe genauer, wenn sie ihren Geisteszustand reflektiert:

Kein Gott, sondern ein Hakenkreuz, so schwarz, dass kein Himmel durchscheinen konnte.

Jede Frau liebt einen Faschisten, den Stiefel im Gesicht, das rohe Herz eines Tieres wie du.

"Meduse"

Erstveröffentlichung: 1965 (gesammelt in Die gesammelten Gedichte, 1981)

Art der Arbeit: Gedicht

Die monströse, verzerrte Mutterfigur wird verworfen, damit das Selbst Freiheit finden kann.

Als "Daddy" den mächtigen Vater exorziert, wirft das vier Tage später geschriebene Begleitgedicht "Medusa" die verschlingende Mutter ab, um das aufkommende Selbst zu befreien.

Medusa ist eine Gattung von Quallen, und Judith Kroll hat darauf hingewiesen, dass Plaths Mutter Aurelia ein Synonym für Medusa ist. In diesem Gedicht suggeriert die Szene eine verspätete Geburt, eine wässrige Gebärmutter-Welt, in der die Tentakel der Qualle trotz ihres Verlangens nach Trennung sich immer weiter entfalten und den Sprecher ersticken.

Sie stellt sich selbst als ein von der Medusa gejagtes Schiff vor und fragt: "Bin ich geflüchtet, frage ich mich?" Die Medusa ist überzeugend: "Meine Gedanken wehen zu dir / Alter bauchiger Nabel, Atlantikkabel."

Wenn der Vater in "Daddy" kalt und distanziert ist, aber scharf umrissen und präzise, ​​ist die Mutter in "Medusa" ein Blob ohne Definition. Sie ist "Fett und rot, eine Plazenta / lähmt die tretenden Liebhaber." Sie klagt über Erstickung und verzichtet auf die Mutter, da sie den Vater in ihrem Wunsch hat, sie selbst zu sein.

Mit dem Beinamen "Blubbery Mary" rutscht das Bild von Meer zu Kirche: "Ich werde keinen Bissen von deinem Körper nehmen, / Flasche, in der ich lebe, / grässlicher Vatikan."

Die Mutter-Medusa ist geschwollen und grotesk; sie stellt ein Modell des Martyriums und der Negativität vor, deren Anziehung verweigert werden muss, wenn der Sprecher als Individuum potent sein soll. So endet das Gedicht mit einer Forderung nach dem Rückzug der Medusa:

Grün wie Eunuchen, deine Wünsche.

Hasse mich an meinen Sünden. Aus, aus, Tentakel! Es ist nichts zwischen uns.

Für Plath bedeutet das Erreichen der Selbstheit nicht die Introjektion der Elternfiguren, sondern ihre Ablehnung. Dies ist die Botschaft von "Daddy" und "Medusa".

"Kante"

Erstveröffentlichung: 1965 (gesammelt in Die gesammelten Gedichte, 1981)

Art der Arbeit: Gedicht

Perfektion ist für die Frau, die ihr Schicksal erreicht hat, der Tod.

"Edge" ist vom 5.

Februar 1963 datiert; eine Woche nachdem es geschrieben wurde, war der Dichter tot. Es ist möglich, das Gedicht als Abschiedsbrief zu betrachten.





Das oft anthologisierte Gedicht ist nicht nur eine Aussage, dass der Autor Selbstmord begehen wird; es enthält auch subtile Vorschläge über die Beziehung zwischen Kunst und Leben und Tod.

"Edge" ist eine freie Versdichtung, die durch die Verwendung von zwanzig gepaarten Linien ein formales Erscheinungsbild erhält.

"Die Frau ist perfektioniert", beginnt die Beschreibung der toten Frau. Der Leser wird an die "Vollkommenheit" in dem frühen Gedicht "Medaillon" erinnert, in dem die Schlange durch den Tod in die Kunst übersetzt wird: "Der Stein des Hofmanns / Schiefers perfektionierte sein Lachen." Die tote Frau von "Edge" ist es auch eine Art Artefakt; mit den Utensilien der Tragödie ausgestattet, hat sie das Leben transzendiert und ist etwas anderes geworden:

Die Illusion einer griechischen Notwendigkeit.

In den Schriftrollen ihrer Toga.





Ihr barfuß scheint zu sagen: Wir sind so weit gekommen, es ist vorbei.

Die toten Kinder sind bei ihr: "Jedes tote Kind ist zusammengerollt, eine weiße Schlange." Der Tod ist das Kunstwerk, das sie aus ihrem Leben gemacht hat. Doch das Gedicht repräsentiert eine Spaltung des Bewusstseins.Der Mond, ihre Muse, scheint ein Symbol des Geistes zu sein, das vom individuellen Selbst losgelöst ist, und der Mond "hat nichts, worüber er traurig sein muss".

Das Gedicht scheint das individuelle Leben durch den Tod realisiert und in Kunst verwandelt zu sehen Tod. Doch der Mond, Symbol der Inspiration (und des weiblichen Geistes), leuchtet weiter.

Obwohl das Gedicht eine Art von Unsterblichkeit oder Transzendenz durch seinen personifizierten Mond suggeriert, ist das Bild, das aus diesem letzten Gedicht beim Leser verbleibt, eine todesähnliche Stille.

Aufmerksamkeit auf




Top

Leave a Reply